Películas

En general, el arte visual siempre se ha definido como estático, me observó el artista abstracto Frank Stella en 1998, pero la tradición siempre ha sido utilizar la ilusión para crear una sensación de movimiento. Tenía toda la razón, históricamente hablando. Desde los días de los artistas rupestres de la era de Cromañón, hace decenas de miles de años, los artistas han intentado crear imágenes de un mundo que está constantemente apurado, a la deriva, ondulando y cambiando. O como dijo Stella: si algo se mueve, así es como puedes saber que está vivo.

Muchas de las imágenes más memorables del canon son figuras y animales en movimiento: el Victoria de Samotracia desde alrededor de 190 a. , sus cortinas revoloteando con la rapidez del vuelo; de Tiziano Baco de 1520-1523, representado en el aire saltando de su carro hacia Ariadna; marcel duchamp Desnudo bajando una escalera (No. 2) (1912), como una fotografía de exposición múltiple de una mujer desnuda caminando. Pero mientras Stella hablaba, los cambios en la tecnología estaban dando a los artistas la oportunidad de hacer algo más: crear no solo imágenes que parecían moverse, sino imágenes que realmente lo hacían. Cada vez más, durante la última década y media, han estado explorando y explotando la animación, es decir, haciendo dibujos y pinturas que se mueven.

Esta historia fue parte de nuestra edición de septiembre de 2015

• Ver el resto del número
• Suscribir

Para ver un ejemplo, vaya a Calgary, donde se encuentra una torre de 24 pies en un sitio cerca de East Village. En cuatro pantallas LED especialmente construidas montadas en sus costados, seis figuras caminan y pasean constantemente, dibujadas en un estilo de simplificación audaz pero precisa, de modo que mientras una cabeza puede ser simplemente un círculo, sus prendas se amontonan y empaquetan de una manera distintivamente naturalista. Dan vueltas y vueltas, amontonándose y separándose, cada uno con un paso individual: una versión actualizada de las figuras que corren en un jarrón griego.

Esto es Paseo (2012) del artista británico Julian Opie, y los métodos que usó para hacerlo involucraron la interacción entre la tecnología digital, los medios fotográficos y la invención gráfica. Primero filmó individuos y luego dibujó sobre las imágenes resultantes en una computadora, reduciéndolas a contornos esenciales.

Paseo de Julian Opie (2012)

El mundo del arte de vanguardia tardó en adoptar la animación, aproximadamente un siglo tarde, para ser precisos. La primera exhibición pública de una caricatura animada— pobre pierrot de Charles-Émile Reynaud, presentada en París en 1892— en realidad es anterior a la proyección inicial de una película de este tipo (por los hermanos Lumière, en 1895). Sin embargo, había razones, tanto prácticas como psicológicas, por las que los artistas intelectuales no se adaptaban fácilmente a los Looney Tunes.

La animación era un gran negocio y un medio más significativo de lo que permiten las historias convencionales del cine. Las estrellas de cine más grandes de la década de 1930, o eso ha argumentado el pintor David Hockney, no fueron Clark Gable y Greta Garbo, sino Mickey Mouse y el pato Donald. Pero trabajar como Disney requería enormes recursos: equipos de dibujantes en tableros de dibujo, un estudio poderoso. Y los resultados fueron el epítome de lo que se alentaba a despreciar a los intelectuales de mediados del siglo XX.

Una de las declaraciones más influyentes de ese período fue el ensayo Avant-Garde and Kitsch (1939), del crítico Clement Greenberg. En esa dicotomía, el arte elevado era Braque, Miro, Mondrian, Kandinsky, Brancusi, Klee, Matisse y Cezanne. Disney era evidentemente kitsch (incluso si puede ser aclamado retrospectivamente como un artista importante). Por lo tanto, si los artistas de esa época incursionaron en la animación, como lo hizo la ecléctica figura de la Generación Beat Harry Everett Smith (1923-1991), los resultados probablemente serían bajos en valores de producción y no figurativos en imágenes. El pionero de Smith Película No. 3: Entretejidos (1947-1949), por ejemplo, es una secuencia parpadeante de cuadrados y rectángulos de colores que se balancean. No Tom y Jerry sino un móvil Mondrian.

Lo que los artistas, los críticos y el público por igual tienen que decidir es si la cruda realidad del movimiento animado es una mejora sobre la ilusión y cuándo.

La calidad de baja tecnología persiste en el trabajo del artista sudafricano William Kentridge (nacido en 1955), quien se ha ganado una gran reputación en gran parte haciendo películas animadas. Fue la serie que tituló Nueve dibujos para proyección (1989–2003) que realmente llamó la atención del mundo del arte internacional. Las obras, que se ocupan de la lucha por la libertad en la era del Apartheid, cuentan con dos personajes recurrentes, Soho Eckstein y Felix Teitlebaum.

El término de Kentridge para lo que hace es significativo: no dibujos animados, ni siquiera películas animadas, sino dibujos proyectados. Su técnica es idiosincrásica, incluso primitiva. Cada película consta de cambios realizados en una sola hoja de papel, que se dibuja con carboncillo con una cantidad limitada de color aplicada en pastel. Borra parte de la imagen y vuelve a dibujar para crear cada cambio y movimiento, luego toma unos fotogramas de 35 milímetros de la imagen y la modifica de nuevo. El resultado, que a menudo contiene rastros fantasmales de líneas borradas de manera imperfecta (Kentridge ha explicado que esto se debe simplemente a que nunca pudo hacer un borrado perfecto), tiene una cualidad inquietante. El efecto de una obra como la suya Félix en el exilio (1994) no es tanto una película animada como un dibujo que cobra vida: no hábil y profesional, sino descarnado y sincero, que encaja perfectamente con el tema.

Félix en el exilio de William Kentridge (1994)

Este tipo de apariencia conscientemente dibujada a mano sigue teniendo su atractivo para los artistas que hacen animaciones. Las animaciones digitales breves de David Shrigley, como baterista sin cabeza (2012), tienen un estilo minimalista entre cartoon y graffiti, con un toque surrealista. (¿Por qué su percusionista maníacamente rítmico no tiene cabeza?)

El baterista sin cabeza de David Shrigley (2012)

El dibujo sigue siendo el punto de partida del dúo artístico que se autodenomina IC-98. IC-98 tiene su sede en Turku, Finlandia, y está formado por Visa Suonpää y Patrik Söderlund, quienes representaron a su país en la Bienal de Venecia de 2015. Sus animaciones parten del collage y esas venerables herramientas gráficas, papel y lápiz.

Luego, la imagen se manipula en Photoshop; un animador profesional, usando herramientas digitales, agrega efectos adicionales. El resultado es fundamentalmente un dibujo de paisaje que cambia muy lentamente, a veces casi imperceptiblemente, como lo hace la naturaleza. Durante la hora y 10 minutos de Una vista desde el otro lado (2011), la vista constante es de un pórtico clásico. Mientras lo observamos, las estaciones van y vienen, las hojas crecen y caen, hasta que finalmente la estructura se arruina. Esto es animación en la escala de tiempo de la historia y la ecología.

Una vista desde el otro lado por IC-98 (2011)

Otra artista más joven que ha saltado a la fama recientemente utilizando una variedad de animación de aspecto casero es la sueca Nathalie Djurberg (nacida en 1978). Sus obras más distintivas utilizan la técnica conocida como animación con plastilina, o plastilina, en la que esculturas maleables hechas de un material como la plastilina se alteran entre fotogramas para crear el efecto de movimiento. Este medio, utilizado con gran éxito por Nick Park en películas como Carrera de pollos (2000), no es tan antiguo como la animación stop-motion dibujada, pero se remonta a 1908. La innovación de Djurberg no es técnica; de hecho, sus imágenes en movimiento, como las de Kentridge, tienen una calidad desigual y sin pulir. La novedad radica en la calidad bizarra y erótica de su tema: una mujer con un enorme sobrepeso que da a luz a un rinoceronte, por ejemplo, o el autoexplicativo Tigre lamiendo el trasero de la niña (2004).

Fotogramas de Tiger Licking Girl's Butt de Nathalie Djurberg (2004)

Desde el milenio, muchos artistas han adoptado nuevas tecnologías no solo para hacer sino también para distribuir su trabajo. Desde finales de la década de 1990, software como Adobe Flash hizo que fuera relativamente fácil ser tu propio Disney o, al menos, tu propio Kentridge. Varios pintores jóvenes, especialmente en el Lejano Oriente, utilizaron tales herramientas para hacer películas animadas y las publicaron en la Web para que una gran audiencia pudiera disfrutarlas. Uno de los primeros de ellos fue Bu Hua (nacido en 1973). Formada como pintora y radicada en Beijing, rápidamente creó una serie de cortometrajes en 2002, que incluyen Gato .

En términos estéticos Gato conserva una línea expresiva a mano alzada que se parece a la de Kentridge, y la historia sobre un padre felino errante, sin hogar y desafortunado y un gatito tiene una calidad emocional conmovedora, o, según el gusto, empalagosa. Ha sido visto 633.451 veces en el sitio web Flashempire.com, un número que sería extremadamente impresionante para una gran exhibición de museo y no tiene precedentes para un artista joven y poco conocido (aunque, por supuesto, bastante normal para un éxito web viral) .

En 2008, otro artista chino, Cao Fei (nacido en 1978), creó una obra de arte en forma no de una película animada sino de un entorno interactivo generado por computadora: RMB City, que existe en el mundo virtual en línea de Linden Lab, Second Life. . Esta es tanto una obra de arte como una plataforma en la que se pueden organizar más obras, entre ellas exhibiciones de películas y fotografías de Cao, con su avatar virtual, China Tracy. Limbo de la gente y Modas de China Tracy (ambos de 2009) son dos ejemplos.

RMB City tiene el aspecto y las características de un juego de rol multijugador masivo en línea (o MMORPG), pero no se trata de ningún juego. En cambio, es un paisaje paralelo a la China en rápida expansión de principios del siglo XXI, en el que un gran salón de la Ciudad Prohibida coexiste con una versión del estadio de Herzog y de Meuron para los Juegos Olímpicos de Beijing, instalaciones para la teletransportación, bloques de gran altura y carreteras elevadas.

Gato de Bu Hua (2002)

Es muy de su tiempo. Como señaló Brian Droitcour en Foro de arte , pocas obras atrajeron tanta atención en 2008, y mucho menos las obras en construcción (la realización de RMB City estuvo constantemente a la vista en la Serpentine Gallery de Londres). El paso de media década le ha dado un aire de época. La tecnología de los juegos ha avanzado, produciendo una verosimilitud cada vez mayor.

Todas las obras de arte contienen pistas sobre la fecha de su creación. Pero existen problemas específicos para los artistas que utilizan software creado para películas de animación o juegos digitales. En unas pocas décadas, es posible que nadie pueda acceder al software, y hay otras dificultades que la pintura al óleo no presenta. Como ha señalado Julian Opie, es un dolor de cabeza increíble tratar de descifrar la tecnología, y se mueve tan rápido que, cuando logramos resolverlo todo, a menudo descubrimos que esa tecnología ha sido descontinuada.

Cosas revisadas

• Paseo

  Por Julián Opie (2012)

• pobre pierrot

  Por Charles-Émile Reynaud (1892)

• Película No. 3: Entretejidos

  Por Harry Everett Smith (1947-1949)

• Nueve dibujos para proyección

  Por William Kentridge (1989–2003)

• Félix en el exilio

  Por William Kentridge (1994)

• baterista sin cabeza

  Por David Shrigley (2012)

• Una vista desde el otro lado

  Por IC-98 (2011)

• Tigre lamiendo el trasero de la niña

  Por Nathalie Djurberg (2004)

• Gato

  Por Bu Hua (2002)

• Ciudad RMB

  Por Cao Fei (2008)

• David

  Por Sam Taylor Wood (2004)

• dama zaha

  mohamed hadid
  Por Michael Craig-Martin (2008)

• Retrato informático de Laura Burlington

  Por Michael Craig-Martin (2010)

sin embargo , él y otros artistas están utilizando tecnología, nueva y no tan avanzada, para crear obras que sus predecesores solo podían imaginar. En las paredes del Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería en las novelas de Harry Potter hay retratos muy inusuales; la gente en ellos se agita en sus marcos y habla. Tales retratos en movimiento no son pura fantasía. Tenemos imágenes de video de niñeras, como la de Sam Taylor-Wood David (2004), una crónica de 67 minutos del futbolista David Beckham durmiendo. También hay retratos animados y dibujados. Opie ha hecho un número, incluyendo Elena , Marica , Jorge , y Jack (todo 2014): animaciones continuas por computadora en pantallas LCD, que giran la cabeza y parpadean.

El pintor británico Michael Craig-Martin también ha empleado la tecnología digital para animar sus cuadros, pero de una manera diferente: en su obra, las transformaciones no son lineales sino cromáticas.

Craig-Martin hizo un retrato de la arquitecta Dame Zaha Mohammad Hadid en este idioma para la National Portrait Gallery de Londres en 2008. Las líneas del retrato nunca se alteran. Pero los colores cambian constantemente de forma aleatoria y variada controlada por software. Las posibles combinaciones de colores son muy numerosas. Su Retrato informático de Laura Burlington (2010) divide el rostro del retratado en nueve secciones: cabello, labios, piel, etc., que se ejecutan lentamente a través de permutaciones de 44 tonos de color seleccionados por el artista. La modelo está casada con el heredero del duque de Devonshire, y el cuadro ahora cuelga en Chatsworth House, la casa de campo del duque, entre los primeros retratos de Reynolds y Gainsborough.

En 1962, David Hockney pintó un cuadro de dos hombres amenazados por un enorme leopardo saltando. En letras minúsculas, escribió un mensaje tranquilizador en el lienzo: Están perfectamente seguros, esto es un alambique. Pero cada vez más, lo que importa en el arte no es crear imágenes que parezcan moverse, como ha sido el caso desde los días de las pinturas rupestres de Lascaux, sino crear imágenes que realmente se muevan. Lo que los artistas, los críticos y el público tienen que decidir por igual es si esa cruda realidad es una mejora sobre la ilusión y cuándo. Los uros, ciervos y caballos en las paredes de Lascaux fueron pintados para ser vistos a la luz parpadeante de las antorchas y habrían brillado con aparente movimiento. Sin embargo, debido a que están congelados en un momento, cada animal aún posee una especificidad, una cualidad de ser. capturado , esa animación puede resultar difícil de replicar.

El último libro de Martin Gayford es Cita con el arte , escrito con Philippe de Montebello. Su última historia para Revisión de tecnología del MIT fue Espacios Iluminados.

esconder